Hay algo en la moda actual que se siente cada vez más acelerado. Las colecciones aparecen, desaparecen, se consumen rápido y se olvidan más rápido todavía. En medio de ese ritmo, Custo Barcelona decide hacer lo contrario: detenerse y construir desde un lugar más honesto.
“We Own the Light”, su propuesta Otoño/Invierno 2026, no se presenta como una colección más. Se siente como una toma de posición. Como un recordatorio de que la moda puede seguir siendo un lenguaje emocional, no solo una respuesta a lo que dicta el momento.
La idea de la luz atraviesa todo el proyecto, pero no como un recurso estético superficial. Aquí la luz funciona como punto de partida creativo. Como concepto. Como materia.
“La luz ha sido el inicio para reinventar nuestra genética”, explica Custo Dalmau, el hombre detrás de la firma. “Existe en la colección como hilo conductor en distintas intensidades de brillo, para crear un lenguaje emocional que conecte con la personalidad”.
Ese énfasis en la emoción no es casual. De hecho, es el centro de todo.
“La moda no es necesaria para vivir… pero la emoción sí”, dice sin rodeos. Y ahí, más que una frase, hay una filosofía completa. Porque en su universo, una prenda no se justifica solo por cómo se ve, sino por lo que provoca.
Ese enfoque se siente en cada decisión de la colección.
En la línea femenina, las piezas construyen una feminidad que no busca encajar en moldes predecibles. Hay capas de tul, transparencias que dejan pasar la luz de forma casi accidental, volúmenes que generan presencia sin necesidad de exagerar. Todo se mueve entre lo etéreo y lo estructurado, como si cada diseño estuviera pensado para sentirse antes que explicarse.
En la propuesta masculina, la narrativa se mantiene, pero se traduce en códigos distintos. Las chaquetas estructuradas, los contrastes de materiales y la energía cromática crean una estética que no teme ser visible. No hay intención de pasar desapercibido, sino todo lo contrario: hay una búsqueda clara de identidad.
Y eso conecta con algo que Custo repite constantemente: la importancia de mantenerse fiel a lo que uno es.
“Lo más importante para nosotros es la continuidad”, explica. “Ser los mismos, pero de un modo totalmente renovado”.
En una industria que suele premiar los giros radicales, esa idea suena casi contracultural. Pero tiene sentido. Porque reinventarse no siempre significa empezar de cero. A veces significa entender mejor lo que ya eres.
“Te puedes reinventar, pero fuera de tu territorio no es válido”, dice. Y lo aterriza con una imagen sencilla: “Nosotros somos cocteleros. Podríamos hacer grandes platos, pero no corresponde a nuestro proyecto”.
Es una forma elegante de hablar de límites. Y también de identidad.
Dentro de esa identidad, hay un elemento que se vuelve clave en esta colección: la relación entre materiales.
El juego entre transparencias y opacidades no solo crea contraste visual, sino que genera una sensación de movimiento constante. La luz entra, se filtra, cambia la percepción de la prenda dependiendo del ángulo, del entorno, del momento.
“Es la genética de la fusión de materiales”, dice. Y aunque suene técnico, lo que ocurre es muy sensorial. No es ropa que se entiende en una foto fija. Es ropa que se transforma.
Esa idea de transformación también aparece en la forma en que se presentó la colección.
Custo decidió llevarla bajo el agua.
No como un gesto gratuito, sino como una extensión del concepto. Como una forma de alterar la percepción habitual de la pasarela.
“Era darle la vuelta a la realidad”, explica. “Nos apetecía hacer una pasarela bajo el agua… y la hicimos”.
El resultado fue inmediato: el impacto visual generó más conversación que la colección misma.
“Han hablado más del video que de la colección”, reconoce. “Tiene un efecto más sorpresivo, más agresivo”.
Pero lejos de ser un problema, eso dice mucho del momento actual de la moda. Hoy, la forma en la que se presenta una colección es casi tan importante como la colección en sí. Y entender eso también forma parte del lenguaje contemporáneo.
Aun así, para Custo, lo esencial no cambia.
Cuando le preguntan si diseña para provocar, responde sin dudar: “Para emocionar”.
Y lo repite.
“Es todo emoción. Es un trabajo de emoción”.
Esa insistencia explica algo que suele pasar con sus piezas. Hay gente que las compra sin necesariamente pensar en cuándo las va a usar.
“Hay clientes que me dicen que compran nuestras piezas y nunca las usan… pero necesitan tenerlas”, cuenta. “Porque te emocionas”.
Y ahí es donde la moda deja de ser funcional para convertirse en algo más cercano al arte.
El título de la colección, “We Own the Light”, puede leerse como una declaración de fuerza. Pero en realidad funciona mejor como una idea más íntima. No habla de poseer la luz en un sentido literal, sino de reconocerla como parte de la identidad.
“La luz y el color son códigos que van directamente a la emoción”, dice.
Y al final, todo vuelve a ese punto.
En una industria donde lo efímero domina, donde lo nuevo reemplaza a lo nuevo constantemente, Custo Barcelona insiste en algo que no siempre es fácil de sostener: construir desde la emoción, desde la coherencia, desde una identidad clara.
No para seguir tendencias.
Sino para quedarse.
Porque cuando la moda logra eso —cuando realmente conecta— deja de ser pasajera.
Y se vuelve parte de algo mucho más duradero.
